📝 El Origen Detrás de los Nombres de las Bandas (PARTE 2) 🎶 📝

Lo puse en la descripción capo ​@Alfredo.Deezer 

En cuanto a la diéresis, se informa que dijo anteriormente: "Lo copié de Blue Öyster Cult. Pensé que se veía mal.

😊

Lo hicieron por razones estéticas y para darles un toque más metalero.

Les dejo contenido relacionado a Motörhead

Hoy traemos a una banda un tanto peculiar. Ponemos sobre la mesa a Butthole Surfers.

Butthole Surfers se formó a comienzos de los años 80 en San Antonio, Texas, de la mano de Gibby Haynes (voz) y Paul Leary (guitarra). Desde sus primeros pasos, la banda se caracterizó por su estilo provocador, caótico y experimental, fusionando punk, psicodelia, noise y rock alternativo. Su propuesta escénica era tan transgresora como su música: conciertos cargados de imágenes perturbadoras, humor negro y un sonido abrasivo que rompía con cualquier molde establecido. Esta actitud los convirtió rápidamente en un grupo de culto dentro de la escena underground estadounidense.

En los años 90, tras una década de ser considerados iconoclastas y marginales, lograron un reconocimiento más amplio gracias a su disco "Independent Worm Saloon" (1993) y, sobre todo, a su inesperado éxito con “Pepper” en 1996, que alcanzó los primeros puestos en listas de rock alternativo. A pesar de su incursión en la corriente más popular, la banda nunca abandonó su espíritu irreverente y sigue siendo recordada por su capacidad de desafiar convenciones, influenciar a numerosos artistas alternativos y mantener vivo el espíritu más salvaje y excéntrico del rock experimental.

Origen del nombre

El origen del nombre Butthole Surfers es tan poco convencional como la propia banda. En su primer concierto pagado, el grupo —que hasta entonces se había presentado con un nombre distinto en cada actuación— fue anunciado por un presentador que había olvidado cómo se llamaban. Para salir del apuro, los presentó como “Butthole Surfers”, tomando el título de una de sus canciones, y desde ese momento decidieron quedarse con ese nombre

Antes de eso, el grupo solía actuar bajo una serie de alias extraños y provocadores, como The Dick Clark Five, Nine Foot Worm Makes Own Food, The Vodka Family Winstons, Ashtray Babyheads o referencias surrealistas relacionadas con Fred Astaire. Estos nombres extravagantes reflejaban el espíritu irreverente y experimental de la banda.

Hoy traemos a una banda un tanto peculiar. Ponemos sobre la mesa a Butthole Surfers.

Butthole Surfers se formó a comienzos de los años 80 en San Antonio, Texas, de la mano de Gibby Haynes (voz) y Paul Leary (guitarra). Desde sus primeros pasos, la banda se caracterizó por su estilo provocador, caótico y experimental, fusionando punk, psicodelia, noise y rock alternativo. Su propuesta escénica era tan transgresora como su música: conciertos cargados de imágenes perturbadoras, humor negro y un sonido abrasivo que rompía con cualquier molde establecido. Esta actitud los convirtió rápidamente en un grupo de culto dentro de la escena underground estadounidense.

En los años 90, tras una década de ser considerados iconoclastas y marginales, lograron un reconocimiento más amplio gracias a su disco "Independent Worm Saloon" (1993) y, sobre todo, a su inesperado éxito con “Pepper” en 1996, que alcanzó los primeros puestos en listas de rock alternativo. A pesar de su incursión en la corriente más popular, la banda nunca abandonó su espíritu irreverente y sigue siendo recordada por su capacidad de desafiar convenciones, influenciar a numerosos artistas alternativos y mantener vivo el espíritu más salvaje y excéntrico del rock experimental.

 

Origen del nombre

El origen del nombre Butthole Surfers es tan poco convencional como la propia banda. En su primer concierto pagado, el grupo —que hasta entonces se había presentado con un nombre distinto en cada actuación— fue anunciado por un presentador que había olvidado cómo se llamaban. Para salir del apuro, los presentó como “Butthole Surfers”, tomando el título de una de sus canciones, y desde ese momento decidieron quedarse con ese nombre

Antes de eso, el grupo solía actuar bajo una serie de alias extraños y provocadores, como The Dick Clark Five, Nine Foot Worm Makes Own Food, The Vodka Family Winstons, Ashtray Babyheads o referencias surrealistas relacionadas con Fred Astaire. Estos nombres extravagantes reflejaban el espíritu irreverente y experimental de la banda.

WOW yo no conocía a la banda para nada, me alegra conocer bandas nuevas ​@AnBal 🤗😊🤗😊🤗🤗

Hacía tiempo que no poníamos una banda nueva. Por aquí os dejo hoy a Bad Brains

Bad Brains es una de las bandas más influyentes en la historia del punk y el hardcore, formada a finales de los años 70 en Washington, D.C., por Paul “H.R.” Hudson (voz), Gary “Dr. Know” Miller (guitarra), Darryl Jenifer (bajo) y Earl Hudson (batería). Lo que los convirtió en un fenómeno único fue no solo la intensidad de su propuesta musical, sino también el hecho de ser una banda compuesta íntegramente por músicos afroamericanos en una escena dominada por blancos. Su estilo combinaba la velocidad y agresividad del hardcore con el reggae, el funk y la espiritualidad del movimiento rastafari, creando una identidad sonora absolutamente original.

Su primer disco, titulado Bad Brains (1982), es considerado un clásico del género. Canciones como “Banned in D.C.” o “Pay to Cum” mostraban una fuerza arrolladora y una técnica superior a la de muchos de sus contemporáneos. La habilidad de Dr. Know en la guitarra y la voz incendiaria de H.R. llevaron al hardcore a un nivel nunca antes visto, mezclando virtuosismo con brutalidad. Al mismo tiempo, sus cortes de reggae dentro de los álbumes ofrecían un contraste inesperado, revelando una versatilidad que los distinguía de cualquier otra banda del momento.

El nombre Bad Brains surgió como una adaptación inspirada en la canción “Bad Brain” de los Ramones, a quienes admiraban. Al adoptarlo, la banda buscaba un juego irónico: mientras muchos en su entorno les decían que eran jóvenes con “malas ideas” o “malas cabezas”, ellos resignificaron la expresión para convertirla en bandera de rebeldía y creatividad. De esta forma, el nombre se convirtió en un símbolo de resistencia, identidad y orgullo.

Durante los años 80 y 90, Bad Brains se consolidaron como pioneros del hardcore punk y ejercieron una influencia decisiva en la posterior ola del rock alternativo y el metal. Bandas como Beastie Boys, Living Colour, Faith No More, Red Hot Chili Peppers y sobre todo Nirvana, reconocieron abiertamente su impacto. Su disco I Against I (1986) marcó un punto de madurez, incorporando elementos más experimentales y melódicos sin perder la potencia característica.

En la actualidad, Bad Brains son venerados como leyendas de culto y referentes ineludibles del punk y el reggae alternativo. Aunque su formación ha tenido idas y vueltas a lo largo de los años, su legado es indiscutible: demostraron que la música podía ser un vehículo de furia, espiritualidad y conciencia social al mismo tiempo. Más que una banda, Bad Brains representan la fuerza de la autenticidad y la diversidad en la música alternativa.

Os dejo por aquí la playlist de ellos en Deezer

Hacía tiempo que no poníamos una banda nueva. Por aquí os dejo hoy a Bad Brains

Bad Brains es una de las bandas más influyentes en la historia del punk y el hardcore, formada a finales de los años 70 en Washington, D.C., por Paul “H.R.” Hudson (voz), Gary “Dr. Know” Miller (guitarra), Darryl Jenifer (bajo) y Earl Hudson (batería). Lo que los convirtió en un fenómeno único fue no solo la intensidad de su propuesta musical, sino también el hecho de ser una banda compuesta íntegramente por músicos afroamericanos en una escena dominada por blancos. Su estilo combinaba la velocidad y agresividad del hardcore con el reggae, el funk y la espiritualidad del movimiento rastafari, creando una identidad sonora absolutamente original.

Su primer disco, titulado Bad Brains (1982), es considerado un clásico del género. Canciones como “Banned in D.C.” o “Pay to Cum” mostraban una fuerza arrolladora y una técnica superior a la de muchos de sus contemporáneos. La habilidad de Dr. Know en la guitarra y la voz incendiaria de H.R. llevaron al hardcore a un nivel nunca antes visto, mezclando virtuosismo con brutalidad. Al mismo tiempo, sus cortes de reggae dentro de los álbumes ofrecían un contraste inesperado, revelando una versatilidad que los distinguía de cualquier otra banda del momento.

El nombre Bad Brains surgió como una adaptación inspirada en la canción “Bad Brain” de los Ramones, a quienes admiraban. Al adoptarlo, la banda buscaba un juego irónico: mientras muchos en su entorno les decían que eran jóvenes con “malas ideas” o “malas cabezas”, ellos resignificaron la expresión para convertirla en bandera de rebeldía y creatividad. De esta forma, el nombre se convirtió en un símbolo de resistencia, identidad y orgullo.

Durante los años 80 y 90, Bad Brains se consolidaron como pioneros del hardcore punk y ejercieron una influencia decisiva en la posterior ola del rock alternativo y el metal. Bandas como Beastie Boys, Living Colour, Faith No More, Red Hot Chili Peppers y sobre todo Nirvana, reconocieron abiertamente su impacto. Su disco I Against I (1986) marcó un punto de madurez, incorporando elementos más experimentales y melódicos sin perder la potencia característica.

En la actualidad, Bad Brains son venerados como leyendas de culto y referentes ineludibles del punk y el reggae alternativo. Aunque su formación ha tenido idas y vueltas a lo largo de los años, su legado es indiscutible: demostraron que la música podía ser un vehículo de furia, espiritualidad y conciencia social al mismo tiempo. Más que una banda, Bad Brains representan la fuerza de la autenticidad y la diversidad en la música alternativa.

Gracias por traer bandas nuevas Deezer Amigo Ángel ​@AnBal 🤗🤗🤗🤗

Hola a tod@s os traigo una nueva banda Ambrosia.

Ambrosia es una banda de rock progresivo y soft rock originaria de Los Ángeles, California, formada a principios de la década de 1970. El grupo nació en medio de una escena musical efervescente, en la que el progresivo, el pop sofisticado y la experimentación sonora convivían con el auge de la música popular estadounidense. Desde sus inicios, Ambrosia buscó un sonido que combinara la complejidad técnica con melodías accesibles, lo que les permitió moverse con soltura entre el rock progresivo y el pop melódico.

El origen del nombre “Ambrosia” se encuentra en la mitología griega, donde la ambrosía era considerada el alimento de los dioses, fuente de inmortalidad y perfección. La banda eligió este nombre como símbolo de algo refinado y trascendente, una metáfora de lo que buscaban transmitir con su música: un alimento espiritual para el alma a través de composiciones elaboradas y letras con un trasfondo poético. De esta forma, el nombre no solo evocaba misticismo, sino también la idea de un sonido atemporal y sofisticado.

A lo largo de los años 70, Ambrosia destacó con discos como Ambrosia (1975) y Somewhere I’ve Never Travelled (1976), que reflejaban su veta progresiva, con estructuras complejas y un gran trabajo instrumental. Sin embargo, su mayor éxito comercial llegó a finales de la década y principios de los 80, cuando se inclinaron hacia un estilo más soft rock y adult contemporary, con canciones como “Biggest Part of Me” y “How Much I Feel”, que los colocaron en las listas de éxitos y les aseguraron una amplia base de seguidores.

El legado de Ambrosia radica en esa dualidad: por un lado, una banda capaz de ofrecer sofisticación progresiva y, por otro, creadores de baladas memorables que definieron parte del sonido melódico de su tiempo. Su nombre, cargado de simbolismo mitológico, sigue siendo un reflejo de su propuesta artística: música que pretende trascender el tiempo y ofrecer un espacio de deleite sonoro, como un banquete reservado a los dioses.

Os dejo por aquí uno de los recopilatorios de la banda…

Hola a tod@s os traigo una nueva banda Ambrosia.

Ambrosia es una banda de rock progresivo y soft rock originaria de Los Ángeles, California, formada a principios de la década de 1970. El grupo nació en medio de una escena musical efervescente, en la que el progresivo, el pop sofisticado y la experimentación sonora convivían con el auge de la música popular estadounidense. Desde sus inicios, Ambrosia buscó un sonido que combinara la complejidad técnica con melodías accesibles, lo que les permitió moverse con soltura entre el rock progresivo y el pop melódico.

El origen del nombre “Ambrosia” se encuentra en la mitología griega, donde la ambrosía era considerada el alimento de los dioses, fuente de inmortalidad y perfección. La banda eligió este nombre como símbolo de algo refinado y trascendente, una metáfora de lo que buscaban transmitir con su música: un alimento espiritual para el alma a través de composiciones elaboradas y letras con un trasfondo poético. De esta forma, el nombre no solo evocaba misticismo, sino también la idea de un sonido atemporal y sofisticado.

 

 

A lo largo de los años 70, Ambrosia destacó con discos como Ambrosia (1975) y Somewhere I’ve Never Travelled (1976), que reflejaban su veta progresiva, con estructuras complejas y un gran trabajo instrumental. Sin embargo, su mayor éxito comercial llegó a finales de la década y principios de los 80, cuando se inclinaron hacia un estilo más soft rock y adult contemporary, con canciones como “Biggest Part of Me” y “How Much I Feel”, que los colocaron en las listas de éxitos y les aseguraron una amplia base de seguidores.

El legado de Ambrosia radica en esa dualidad: por un lado, una banda capaz de ofrecer sofisticación progresiva y, por otro, creadores de baladas memorables que definieron parte del sonido melódico de su tiempo. Su nombre, cargado de simbolismo mitológico, sigue siendo un reflejo de su propuesta artística: música que pretende trascender el tiempo y ofrecer un espacio de deleite sonoro, como un banquete reservado a los dioses.

Gracias por la historia de esta bandota, camarada ​@AnBal 

Ya la había escuchado antes y suena muy bien, más con ese sonido de los 70s… Es una de mis favoritas 😎

Aquí les dejo este temazo de ellos 😎

Hoy os traigo a una súper banda… Hoy le toca el turno a Dashboard Confessional.

Dashboard Confessional es una banda estadounidense fundada a finales de los años noventa por Chris Carrabba, uno de los pioneros del movimiento emo moderno. Lo que comenzó como un proyecto acústico e introspectivo terminó convirtiéndose en una de las propuestas más influyentes de la escena alternativa de los 2000. Con su voz emotiva, letras confesionales y melodías sinceras, Carrabba logró conectar con toda una generación que encontraba en sus canciones una válvula de escape emocional frente a la soledad, la vulnerabilidad y las rupturas amorosas.

El sonido de Dashboard Confessional se caracteriza por su simplicidad instrumental y su intensidad emocional. En una época dominada por el rock alternativo y el pop-punk, el proyecto destacó por su honestidad desnuda: solo una guitarra y una voz bastaban para construir un universo lírico lleno de autenticidad. Álbumes como The Places You Have Come to Fear the Most (2001) y A Mark, A Mission, A Brand, A Scar (2003) consolidaron a la banda como una de las voces más representativas del emo acústico, un subgénero que priorizaba la introspección sobre la distorsión.

Durante la primera mitad de los 2000, Dashboard Confessional se convirtió en un referente cultural. Sus conciertos, especialmente los acústicos, se transformaron en experiencias casi catárticas, donde el público cantaba cada palabra como si fuera una confesión propia. Canciones como “Screaming Infidelities”, “Vindicated” (incluida en la banda sonora de Spider-Man 2) o “Hands Down” se convirtieron en himnos emocionales para jóvenes que crecían entre la angustia y la esperanza. La vulnerabilidad, en lugar de ser una debilidad, se convirtió en la fuerza que definió su propuesta artística.

Origen del nombre

El origen del nombre Dashboard Confessional está directamente ligado a la esencia personal y confesional del proyecto. Chris Carrabba explicó que el nombre surgió de la letra de una de sus primeras canciones, donde mencionaba cantar “confesiones” al volante, frente al tablero (dashboard) del coche. La idea de transformar momentos íntimos de soledad y reflexión en canciones honestas capturaba perfectamente el espíritu de la banda: música nacida de la introspección cotidiana.

Os dejo aquí la playlist de Deezer con sus mejores temas…

Hoy hablamos de la banda Deacon Blue.

Deacon Blue es una banda escocesa formada en Glasgow en 1985, reconocida por su característico sonido que fusiona pop, soul y rock con letras cargadas de sensibilidad y crítica social. El grupo, liderado por el vocalista y compositor Ricky Ross junto a la cantante Lorraine McIntosh, alcanzó gran popularidad a finales de los años ochenta y principios de los noventa gracias a su estilo elegante y emocional. Su álbum debut, Raintown (1987), fue un retrato melancólico y honesto de la vida urbana en Glasgow, con canciones como Dignity y Chocolate Girl que se convirtieron en himnos de una generación.

El nombre de la banda, Deacon Blue, tiene un origen literario y musical a la vez. Proviene de una canción del músico estadounidense Steely Dan titulada Deacon Blues, incluida en su álbum Aja (1977). Ricky Ross, gran admirador del grupo, adoptó el nombre como homenaje a su sofisticación musical y su lirismo introspectivo. La elección no fue casual: reflejaba el deseo de Deacon Blue de crear canciones con profundidad narrativa y arreglos refinados, siguiendo la estela de ese tipo de pop inteligente y melancólico.

A lo largo de su carrera, Deacon Blue ha mantenido una notable coherencia artística y una conexión sincera con su público. Aunque su pico de fama se dio con álbumes como When the World Knows Your Name (1989) —que incluía éxitos como Real Gone Kid—, la banda ha seguido activa, lanzando nuevos discos y girando con entusiasmo. Su legado perdura como una de las formaciones más queridas del pop británico, con un repertorio que combina romanticismo, esperanza y una mirada poética hacia la vida cotidiana.

Con su temazo!!!

Hoy hablamos de la banda Deacon Blue.

Deacon Blue es una banda escocesa formada en Glasgow en 1985, reconocida por su característico sonido que fusiona pop, soul y rock con letras cargadas de sensibilidad y crítica social. El grupo, liderado por el vocalista y compositor Ricky Ross junto a la cantante Lorraine McIntosh, alcanzó gran popularidad a finales de los años ochenta y principios de los noventa gracias a su estilo elegante y emocional. Su álbum debut, Raintown (1987), fue un retrato melancólico y honesto de la vida urbana en Glasgow, con canciones como Dignity y Chocolate Girl que se convirtieron en himnos de una generación.

 

 

El nombre de la banda, Deacon Blue, tiene un origen literario y musical a la vez. Proviene de una canción del músico estadounidense Steely Dan titulada Deacon Blues, incluida en su álbum Aja (1977). Ricky Ross, gran admirador del grupo, adoptó el nombre como homenaje a su sofisticación musical y su lirismo introspectivo. La elección no fue casual: reflejaba el deseo de Deacon Blue de crear canciones con profundidad narrativa y arreglos refinados, siguiendo la estela de ese tipo de pop inteligente y melancólico.

A lo largo de su carrera, Deacon Blue ha mantenido una notable coherencia artística y una conexión sincera con su público. Aunque su pico de fama se dio con álbumes como When the World Knows Your Name (1989) —que incluía éxitos como Real Gone Kid—, la banda ha seguido activa, lanzando nuevos discos y girando con entusiasmo. Su legado perdura como una de las formaciones más queridas del pop británico, con un repertorio que combina romanticismo, esperanza y una mirada poética hacia la vida cotidiana.

Muy buena historia, capo ​@AnBal 😎

Esta banda también está dentro de mis favoritas, tiene varios temazos que me gustan mucho 

Gracias por compartirla con los compas del foro 😎

No la conocía 😁

Hola a tod@s os traigo una nueva banda Death Cab for Cutie.

Death Cab for Cutie es una banda estadounidense formada en Bellingham, Washington, en 1997. Su fundador, el cantante y guitarrista Ben Gibbard, comenzó el proyecto como una iniciativa en solitario mientras estudiaba en la universidad, pero pronto se unieron otros músicos, convirtiéndolo en un grupo completo. Con su estilo indie rock teñido de melancolía, lirismo introspectivo y arreglos detallados, la banda fue creciendo hasta alcanzar un lugar destacado en la escena alternativa a principios de los años 2000.

El nombre “Death Cab for Cutie” tiene un origen tan curioso como inesperado. Proviene de una canción interpretada por The Bonzo Dog Doo-Dah Band que apareció en la película Magical Mystery Tour de los Beatles en 1967. La canción es una especie de sátira musical sobre una relación y la cultura popular, con un tono humorístico y teatral. Gibbard eligió este título porque le parecía excéntrico, llamativo y perfecto para un proyecto musical que entonces ni siquiera imaginaba que llegaría tan lejos.

Durante los años siguientes, la banda fue consolidando su sonido con discos emblemáticos como The Photo Album (2001) y especialmente Transatlanticism (2003), que se convirtió en un álbum de culto dentro del indie rock estadounidense. Más adelante, su salto a un sello discográfico más grande con Plans (2005) les dio un reconocimiento aún mayor, con canciones como “I Will Follow You Into the Dark” que se transformaron en himnos emocionales para toda una generación.

A lo largo de su trayectoria, Death Cab for Cutie se ha mantenido fiel a su esencia: letras que exploran relaciones, nostalgia, pérdida y esperanza, acompañadas de una identidad sonora que mezcla delicadeza y complejidad. Sus conciertos siguen llenándose de seguidores que encuentran en su música un refugio emocional. Y aunque su nombre pueda sonar extraño o incluso cómico, hoy es sinónimo de una de las bandas más influyentes y queridas del indie moderno.

Hola a tod@s os traigo una nueva banda Death Cab for Cutie.

Death Cab for Cutie es una banda estadounidense formada en Bellingham, Washington, en 1997. Su fundador, el cantante y guitarrista Ben Gibbard, comenzó el proyecto como una iniciativa en solitario mientras estudiaba en la universidad, pero pronto se unieron otros músicos, convirtiéndolo en un grupo completo. Con su estilo indie rock teñido de melancolía, lirismo introspectivo y arreglos detallados, la banda fue creciendo hasta alcanzar un lugar destacado en la escena alternativa a principios de los años 2000.

El nombre “Death Cab for Cutie” tiene un origen tan curioso como inesperado. Proviene de una canción interpretada por The Bonzo Dog Doo-Dah Band que apareció en la película Magical Mystery Tour de los Beatles en 1967. La canción es una especie de sátira musical sobre una relación y la cultura popular, con un tono humorístico y teatral. Gibbard eligió este título porque le parecía excéntrico, llamativo y perfecto para un proyecto musical que entonces ni siquiera imaginaba que llegaría tan lejos.

 

 

Durante los años siguientes, la banda fue consolidando su sonido con discos emblemáticos como The Photo Album (2001) y especialmente Transatlanticism (2003), que se convirtió en un álbum de culto dentro del indie rock estadounidense. Más adelante, su salto a un sello discográfico más grande con Plans (2005) les dio un reconocimiento aún mayor, con canciones como “I Will Follow You Into the Dark” que se transformaron en himnos emocionales para toda una generación.

A lo largo de su trayectoria, Death Cab for Cutie se ha mantenido fiel a su esencia: letras que exploran relaciones, nostalgia, pérdida y esperanza, acompañadas de una identidad sonora que mezcla delicadeza y complejidad. Sus conciertos siguen llenándose de seguidores que encuentran en su música un refugio emocional. Y aunque su nombre pueda sonar extraño o incluso cómico, hoy es sinónimo de una de las bandas más influyentes y queridas del indie moderno.

Ya teníamos algo olvidada esta sección, compa… Gracias por compartirnos esta bandota ​@AnBal 😁

Ya los conocía y tocan muy bien,

Aquí les dejo mi temazo favorito 😎

¿Sí la conocían ustedes, compas? ​@Colocho ​@Otto ​@Carlos L Bernard 😎