Música, cultura y juegos en Deezer Community

Un móvil, un DAC pequeño y unos buenos auriculares pueden ser más importantes que perseguir números enormes de resolución.“24 bits”, “192 kHz”, “Hi-Res”, “Lossless”, “FLAC”…Si alguna vez intentaste mejorar la calidad con la que escuchas música, probablemente acabaste viendo tantas siglas que parecía que necesitabas estudiar ingeniería de audio antes de darle al play.La realidad es bastante más sencilla. Primero: HiFi y Hi-Res no son exactamente lo mismoAquí suele empezar la confusión.Deezer ofrece audio FLAC sin pérdidas a 16 bits / 44,1 kHz, equivalente a calidad CD. Eso es audio lossless o HiFi, pero técnicamente está por debajo de lo que normalmente se considera Hi-Res. En la propia comunidad de Deezer se sigue describiendo esa calidad como FLAC 16/44.1.Servicios que sí ofrecen archivos por encima de esa resolución pueden llegar hasta 24 bits / 192 kHz. Actualmente TIDAL llama HiRes FLAC a cualquier archivo superior a 16/44.1 y ofrece hasta 24/192; Apple Music también llega hasta 24

En marzo de 1992, un grupo de jóvenes músicos se reunió en un garaje de la Ciudad de Guatemala. Sin saberlo, ese encuentro daría origen a una de las bandas más importantes del rock centroamericano: Bohemia Suburbana.De cassette a leyendaLa formación original: Giovanni Pinzón (voz), Juancarlos Barrios (guitarra), José Pedro Mollinedo (batería) y el colombiano Juan Luis Lopera (bajo) lanzó en 1993 su primer material, Sombras en el Jardín, en formato cassette, con temas que se convertirían en clásicos como "En el Jardín" y "Peces e Iguanas". En 1994 se sumó el peruano Álvaro Rodríguez en teclados, dando forma a un sonido que mezclaba post-punk, rock industrial y synth rock con matices de herencia mesoamericana. En 1996 viajaron a Miami para grabar Mil Palabras con sus Dientes, disco que los llevó a tocar en Estados Unidos, Centroamérica y Puerto Rico, expandiendo su audiencia más allá de Guatemala por primera vez. Consolidación y evoluciónA lo largo de más de tres décadas, la banda ha pub

 Después de varios años prácticamente sin levantar el pie del acelerador, The Weeknd ha llegado a un punto en el que necesita parar. Abel Tesfaye ha vivido desde 2020 una etapa especialmente intensa, construyendo una ambiciosa historia musical que se ha extendido más allá de los discos y ha dado lugar a una película, una serie de televisión, numerosos videoclips y una gira internacional de enormes dimensiones. Ahora, con ese capítulo acercándose a su final, el artista canadiense ha explicado que quiere tomarse un tiempo para respirar y concentrarse en un único proyecto.La idea de desaparecer temporalmente ya la había adelantado al hablar del final de sus compromisos actuales. Sin embargo, Tesfaye ha querido aclarar que no se trata de una retirada. En una entrevista con GQ Hong Kong, explica que para él «desaparecer» significa dejar atrás durante un tiempo la necesidad de estar pendiente de varios proyectos simultáneamente y poder dedicar toda su energía a una sola cosa. Una decisión qu

 Bruce Springsteen nació en 1949 en Long Branch, Nueva Jersey, y creció en Freehold, en un entorno de clase trabajadora que terminaría convirtiéndose en una de las grandes fuentes de inspiración de sus canciones. Comenzó a tocar en diferentes bandas durante su adolescencia y juventud hasta formar la E Street Band, con la que fue construyendo una reputación como extraordinario intérprete en directo. Su primer álbum, Greetings from Asbury Park, N.J., llegó en 1973, pero fue Born to Run (1975) el trabajo que le situó definitivamente entre las grandes figuras del rock estadounidense.  A lo largo de más de cinco décadas, Springsteen ha convertido en canciones historias sobre trabajadores, sueños, frustraciones, amor, pérdida y la búsqueda de una vida mejor. Discos como Darkness on the Edge of Town, The River, Nebraska, Born in the U.S.A. o The Rising muestran distintas etapas de un artista capaz de combinar el rock, el folk y la tradición musical estadounidense con una extraordinaria capaci

Tal día como hoy The Rembrandts y la canción que se convirtió en la voz de Friends Tal día como hoy, 22 de septiembre de 1994, NBC estrenaba Friends, una serie que acabaría convirtiéndose en uno de los grandes fenómenos televisivos de los años 90. Y junto a Ross, Rachel, Monica, Chandler, Joey y Phoebe nació también una de las sintonías más reconocibles de la televisión: “I’ll Be There for You”, interpretada por The Rembrandts. Lo curioso es que la canción no fue concebida inicialmente como un single ni siquiera como un tema completo. Los productores querían una cabecera alegre que transmitiera la idea de amistad y pidieron una composición específica a Michael Skloff, director musical de la serie y marido de la creadora Marta Kauffman, junto a la compositora Allee Willis y los propios creadores de Friends, David Crane y Kauffman. Antes de llegar a The Rembrandts, la producción había pensado incluso en utilizar “Shiny Happy People” de R.E.M., pero la banda rechazó la propuesta.  ¿Y por

 Durante más de treinta años, Scarlet Page ha tenido un privilegio reservado a muy pocos fotógrafos: estar al otro lado del escenario cuando la historia de la música estaba sucediendo. Foo Fighters, AC/DC, The Cure, Lenny Kravitz o Alex Turner son algunos de los artistas que han pasado por su objetivo y que ahora forman parte de Held: Three Decades of Artists and Their Gibson Guitars, una retrospectiva que puede visitarse desde el 23 de septiembre de 2026 hasta febrero de 2027 en el Gibson Garage London. La exposición pone el foco en dos de las grandes pasiones de Page: los músicos y las guitarras Gibson, pero también en esa parte de la vida de una banda que normalmente queda fuera de los escenarios.  Entre las fotografías reunidas aparece Alex Turner durante el regreso de Arctic Monkeys a Glastonbury en 2023, mientras que otra de las imágenes nos lleva hasta 2003 para encontrarnos con Angus Young al frente de AC/DC, cuando el grupo compartía cartel como telonero de The Rolling Stones.

 En agosto de 1986, Paul Simon publicaba Graceland, un álbum que acabaría convirtiéndose en uno de los trabajos más importantes de su carrera. El disco vendió millones de copias, ganó el Grammy al Álbum del Año y supuso una espectacular recuperación para un artista que venía de una etapa profesional complicada. Su gran particularidad fue la combinación de pop, folk y rock con ritmos y músicos procedentes de Sudáfrica, creando un sonido novedoso y profundamente reconocible.El origen del proyecto estuvo en una grabación de música sudafricana que despertó la curiosidad de Simon. Aquellos ritmos le llevaron hasta Johannesburgo en 1985, donde trabajó junto a músicos locales como Ray Phiri, Bakithi Kumalo y Vusi Khumalo. De aquellas sesiones surgieron las bases de canciones como “The Boy in the Bubble”, “You Can Call Me Al” o “Diamonds on the Soles of Her Shoes”. Posteriormente, el proyecto se amplió con colaboraciones de artistas como Ladysmith Black Mambazo, los Everly Brothers y Los Lobos

Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti convirtieron a Soda Stereo en un fenómeno que superó las fronteras argentinas.Antes de que escuchar una banda de otro país estuviera a un clic de distancia, Soda Stereo ya había conseguido algo extraordinario: hacer que el rock en español viajara por Latinoamérica.Formados en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti, comenzaron influenciados por la new wave, pero nunca permanecieron demasiado tiempo en el mismo sonido. Su propia historia oficial recorre etapas de pop, dark, funk, rock alternativo y electrónica. Cuando el rock en español cruzó fronterasEn 1986 emprendieron su primera gran gira latinoamericana, pasando por países como Colombia, Ecuador, Perú, Chile y Venezuela. Con el tiempo también llegarían a México y Estados Unidos.Soda no solo exportó canciones. Su estética, videoclips, conciertos y preocupación por la puesta en escena ayudaron a demostrar que una banda latinoamericana podía pensar a escala conti

 Seis meses después de comenzar su recorrido internacional, Rosalía ha cerrado una de las etapas más exigentes de su carrera con la última actuación del Lux Tour. El final llegó esta semana en el Kaseya Center de Miami, ante cerca de 20.000 espectadores, poniendo el broche a una gira que ha llevado su propuesta escénica por distintos escenarios del mundo y que ha estado marcada tanto por la espectacularidad del directo como por momentos especialmente personales.Miami tenía, además, un significado especial. La ciudad estaba llamada a convertirse en uno de los primeros destinos de la parte estadounidense de la gira, pero una emergencia familiar obligó a Rosalía a modificar sus planes y regresar temporalmente a Barcelona. Aquella decisión ya dejó claro que, incluso en medio de una producción de estas dimensiones, hay circunstancias que están por encima de cualquier compromiso profesional. Al reencontrarse posteriormente con su público, la artista explicó la importancia que había tenido aq

Liam y Noel Gallagher volvieron a compartir escenario en 2025, dieciséis años después de la separación de Oasis.Durante años, hablar de una reunión de Oasis parecía casi una broma recurrente. Liam y Noel Gallagher habían seguido caminos separados desde 2009 y sus desencuentros públicos hacían difícil imaginar un regreso.Hasta que ocurrió.En 2025, Oasis volvió a los escenarios con Live ’25, una gira que agotó estadios desde Reino Unido y Norteamérica hasta Japón, Australia y Sudamérica.Pero lo curioso es que aquel regreso no terminó siendo simplemente una celebración del pasado. De un pequeño escenario a conquistar una generaciónOasis necesitó muy poco tiempo para convertirse en un fenómeno.En abril de 1994 apareció “Supersonic”. Cuatro meses después llegó Definitely Maybe, un debut que entró directamente al número uno británico y terminó vendiendo millones de copias alrededor del mundo.Luego llegó (What’s the Story) Morning Glory? y canciones como “Wonderwall”, “Don’t Look Back in Ange

Beabadoobee presenta una estética más cruda para su cuarto álbum, Pylon.Después del sonido más pulido de This Is How Tomorrow Moves, beabadoobee cambia de dirección. Su nuevo álbum, Pylon, publicado hoy 18 de septiembre, recupera guitarras distorsionadas y bebe directamente del grunge y el rock alternativo de los 90.Del indie-pop a guitarras mucho más pesadasEl cambio se nota en canciones como “Switchblade”, “Sun Has Set”, “Radio” y “Pylon”. Sin abandonar las melodías que caracterizan a Beatrice Laus, el álbum introduce un sonido más agresivo y áspero.Pero quizá lo más llamativo está en las colaboraciones.Invitado Conocido por Hayley Williams Paramore Chino Moreno Deftones Brendan Yates Turnstile Evan Stephens Hall Pinegrove  La elección no parece accidental: son músicos provenientes de distintas ramas del rock alternativo, hardcore y emo.La estética visual de Pylon acompaña el giro hacia un sonido más cercano al rock alternativo.¿La generación TikTok está redescubriendo

A poco más de un mes de su lanzamiento (19 de noviembre de 2026), Rockstar Games ya ha dejado escuchar buena parte de lo que sonará en las radios de Leonida. Entre el tráiler extendido en Netflix y el álbum oficial recién publicado, ya tenemos una idea clara del contraste sonoro que define a GTA VI: nostalgia ochentera mezclada con la escena urbana más actual. Grand Theft Auto VI: The Album (17 de septiembre, 2026)Este es el primer lanzamiento musical oficial y exclusivo del juego, con temas grabados específicamente para la banda sonora:Travis Scott — "RHYNO" (producida por Guy-Manuel de Homem-Christo, de Daft Punk): un corte oscuro y electrónico, coherente con el estilo experimental que Travis Scott suele aportar a sus colaboraciones.CA7RIEL & Paco Amoroso con PinkPantheress, Fred again.. y Etienne de Crécy — "Sexy Magic": una fusión de electropop y sonidos latinos, pensada como himno festivo de club nocturno, algo muy propio de la vida nocturna de Vice City.Morgan Wallen — "Last

 Hola a tod@s la idea es ir poniendo qué efemérides han ocurrido en la música un día como hoy. Siéntete libre de completarlo con tus conocimientos o anécdotas musicales. 🎉 🎈 🍰 🎂 📀 🎵 👂🏆 👀 

 Allí está Hugh Laurie como ese doctor bien amargado, bien adicto a la Vicodina y con un bastón que cojeaba del lado equivocado según el capítulo, y fuera del hospital más famoso de la televisión, el buen Laurie es un músico de blues de la vieja escuela que le mete la misma pasión a la música que la que House le ponía a encontrar enfermedades rarísimas.Antes de convertirse en el diagnóstico andante más cínico de la pantalla, este señor ya andaba haciendo de las suyas en la comedia británica. Estudió en Cambridge, donde conoció a Stephen Fry y a Emma Thompson, armando una dupla cómica legendaria que marcó a toda una generación en el Reino Unido. Películas, programas de comedia y hasta doblajes formaron parte de su chamba durante décadas, volviéndose un rostro súper querido mucho antes de que se pusiera la bata blanca.Pero la verdadera obsesión de Laurie siempre ha estado en las teclas de un piano y en las cuerdas de una guitarra. Aprendió a tocar de oído a los doce años, y su amor por e

 16 de Septiembre La Independencia de  M É  X I  C O   

¿Has notado que tu perro se relaja cuando pones cierta canción? No estás imaginándolo, los estudios lo confirman. Los perros escuchan mejor que nosotrosAntes de hablar de géneros y playlists, hay que entender cómo escuchan los perros. Mientras los humanos detectamos sonidos entre 20 Hz y 20,000 Hz, los perros pueden percibir frecuencias de hasta 65,000 Hz. Eso significa que escuchan detalles en la música que para nosotros son completamente invisibles. Por eso, lo que suena suave para ti puede ser intenso para tu perro, siempre mantén el volumen bajo. ¿Qué dice la ciencia?Estudios realizados por la Scottish SPCA y la Universidad de Glasgow encontraron que los perros en refugios mostraban signos claros de menor estrés cuando escuchaban música — menor frecuencia cardíaca, menos ladridos y más tiempo descansando. La investigadora Deborah Wells también encontró que la música clásica llevaba a los perros a relajarse significativamente más que el pop, el heavy metal o incluso la conversación

 Kajagoogoo apareció en plena explosión de la new wave y el synth-pop británico de comienzos de los años 80. La banda estaba formada inicialmente por Nick Beggs, Steve Askew, Stuart Croxford Neale y Jez Strode, a los que se incorporó como cantante Christopher Hamill, conocido artísticamente como Limahl. Su gran oportunidad llegó cuando Nick Rhodes, teclista de Duran Duran, se interesó por ellos y terminó produciendo “Too Shy” junto a Colin Thurston. El nombre Kajagoogoo —inspirado en los primeros sonidos que hace un bebé— tampoco pasaba precisamente desapercibido. La combinación de imagen, sintetizadores, bajo protagonista y estética sofisticada encajaba perfectamente con el pop británico de 1983.  “Too Shy” fue publicada a comienzos de 1983 y se convirtió inmediatamente en el gran fenómeno de Kajagoogoo. La canción es un magnífico ejemplo del synth-pop bailable de la época, con una línea de bajo especialmente reconocible de Nick Beggs y un estribillo aparentemente sencillo pero tremen

 Alexis Lanternier, director general de Deezer, reconocido como una de las figuras más influyentes de la industria musical en Francia Deezer recibe el premio a la innovación de Billboard France por su tecnología de detección de música generada por IA Por Jesper Wendel16 de septiembre de 2026 Alexis Lanternier, director general de Deezer, fue reconocido como una de las figuras más influyentes de la industria musical francesa en la ceremonia inaugural de los Billboard Power Players en París, organizada por Billboard France el 15 de septiembre de 2026. Asimismo, Deezer recibió el premio a la innovación por su tecnología propietaria de detección de música generada por inteligencia artificial.Este doble reconocimiento destaca la transformación liderada por Alexis Lanternier desde su incorporación a Deezer como director general en septiembre de 2024. Durante los últimos dos años, ha consolidado la posición de la plataforma, manteniendo el enfoque en dos prioridades clave: generar un crecimie

Joss Stone: The Soul Sessions, el debut que convirtió una voz adolescente en una revelación soul El 16 de septiembre de 2003 llegaba al mercado estadounidense The Soul Sessions, el álbum con el que Joss Stone, con solo 16 años, sorprendió al mundo de la música. Más que un debut convencional, el disco era una declaración de intenciones: diez canciones procedentes fundamentalmente del repertorio soul de los años 60 y 70, recuperadas y llevadas a su terreno por una cantante británica que había crecido escuchando a Aretha Franklin, entre otros grandes nombres del género. Stone no buscaba demostrar que podía sonar como una estrella adolescente, sino todo lo contrario: quería reivindicar una música que pertenecía a otra generación. Entre las canciones aparecía también una curiosa excepción, “Fell in Love with a Boy”, su transformación en clave soul del “Fell in Love with a Girl” de The White Stripes.  Una de las grandes curiosidades del álbum está precisamente en cómo se grabó. Stone viajó a

 Mexico, publicado en 2021, representa una nueva etapa en la trayectoria de Mighty Oaks, el trío de indie folk formado por Ian Hooper, Claudio Donzelli y Craig Saunders. El álbum llegó en un momento especialmente complicado, marcado por la pandemia y por un periodo de incertidumbre que terminó influyendo inevitablemente en el proceso creativo. Frente a trabajos anteriores, aquí encontramos a una banda que profundiza más en el terreno emocional, con canciones que hablan de relaciones, cambios personales, dudas y de la necesidad de mantener la esperanza incluso en momentos difíciles.  Musicalmente, Mexico mantiene las señas de identidad de Mighty Oaks: guitarras acústicas, armonías vocales, melodías de inspiración folk y una producción que busca el equilibrio entre la cercanía de la música de raíces y un sonido indie contemporáneo. Temas como Land of Broken Dreams, Devil and the Deep Blue Sea, Forever o la propia Mexico muestran esa combinación entre luminosidad y cierta melancolía que c