Música, cultura y juegos en Deezer Community

 Elton John nació el 25 de marzo de 1947 en Pinner, Inglaterra, como Reginald Kenneth Dwight. Desde muy pequeño mostró un talento extraordinario para la música, aprendiendo a tocar el piano de oído y formándose en la Royal Academy of Music. Su carrera despegó a finales de los años 60 cuando comenzó a colaborar con el letrista Bernie Taupin, una alianza creativa que marcaría la historia del pop y el rock. Con una voz distintiva y un estilo escénico extravagante, Elton John se convirtió rápidamente en una figura clave de la música internacional.A lo largo de las décadas, Elton John ha acumulado una impresionante lista de éxitos como Rocket Man, Tiny Dancer y Your Song, además del icónico álbum Goodbye Yellow Brick Road. Su versatilidad le permitió adaptarse a distintas épocas sin perder relevancia, y en los años 90 volvió a dominar las listas con Candle in the Wind 1997, uno de los sencillos más vendidos de la historia. Además de su impacto musical, ha sido reconocido por su labor benéfi

 La canción A Horse with No Name de America nació a comienzos de los años 70 en un contexto bastante particular. Su compositor principal, Dewey Bunnell, la escribió cuando aún era muy joven y vivía en Europa, lejos de los paisajes que evocaría en la letra. Inspirado por el contraste entre el clima gris británico y su añoranza por los espacios abiertos de Estados Unidos, creó una melodía sencilla y repetitiva que buscaba transmitir una sensación de calma y evasión. La grabación se incluyó en el álbum debut del grupo en 1971, convirtiéndose rápidamente en su carta de presentación ante el gran público.En cuanto a su significado, la canción propone un viaje casi hipnótico a través de un desierto simbólico. La figura del “caballo sin nombre” funciona como un recurso para acentuar la idea de anonimato y libertad, permitiendo al narrador desconectarse del mundo y reflexionar sin ataduras. Lejos de ser una historia literal, la letra está abierta a interpretaciones: algunos la ven como una metá

 Mucha gente cree que nomás es el tipo rudo del cine con cara de pocos amigos, pero la neta es que Danny Trejo es todo un estuche de monerías. El compa tiene su propia disquera, le encanta salir en videos de heavy metal y, claro, no podían faltar sus benditos Trejo's Tacos.¡Es todo un personaje!El Imperio de los Trejo's TacosLo que comenzó como una broma en un set de filmación se convirtió en un negocio serio y exitoso.El origen: Durante el rodaje de la película Bad Ass, el productor Ash Shah notó que Trejo comía de forma muy saludable. Shah le sugirió abrir un restaurante y Danny respondió bromeando: "¡Trejo's Tacos!". Poco después, el productor le presentó un plan de negocios real. Influencia familiar: Muchas de las recetas están inspiradas en su madre. De hecho, Trejo menciona que abrir un restaurante era el sueño de ella en los años 50, pero que en esa época el entorno familiar no se lo permitió. Propuesta inclusiva: Sus taquerías en Los Ángeles (y ahora en Londres) son famosas por

Un nuevo estudio sugiere que aumentar el volumen no mejora el rendimiento físico y que reducirlo podría ayudar a proteger la salud auditiva. La investigación, liderada por especialistas de la Universidad del Sur de California, analizó cómo influye el volumen de la música en el esfuerzo de quienes participan en clases grupales de ejercicio.Los resultados mostraron que entrenar con música más baja no reduce el nivel de esfuerzo, pero sí puede disminuir el riesgo de pérdida auditiva.Los investigadores analizaron datos de 189 personas que asistían a clases de entrenamiento con pesas en Los Ángeles.En algunas sesiones, la música se reprodujo a un volumen promedio de 91,4 decibeles, mientras que en otras se redujo a 88,5 decibeles.Después de cada clase, los participantes respondieron encuestas para evaluar cuánto esfuerzo habían percibido durante el entrenamiento.Los resultados fueron claros: quienes participaron en las clases con música más baja no reportaron menor esfuerzo que quienes entr

El 19 de Marzo de 2026 murió el gran Chuck Norris. Nacido como Carlos Ray Norris el 10 de marzo de 1940 en Ryan, Oklahoma, superó una infancia difícil marcada por la pobreza y un padre alcohólico. Se alistó en la Fuerza Aérea en 1958, donde en Corea del Sur comenzó su entrenamiento en artes marciales, ganando el apodo "Chuck" y múltiples cinturones negros en Tang Soo Do, Taekwondo y más.  Carrera Épica en Artes Marciales y Cine En los 60, Norris abrió su cadena de escuelas Chun Kuk Do, atrayendo a celebridades como Steve McQueen. Campeón mundial de karate en 1968-1969, debutó en cine con The Wrecking Crew (1969) y protagonizó éxitos como The Way of the Dragon (1972) contra Bruce Lee, Missing in Action (1984) y la serie Walker, Texas Ranger (1993-2001), consolidándose como ícono de acción.  Legado Cultural y MuerteNorris dejo gran legado cultural desde ser convertido en meme viral por "Chuck Norris Facts", pasando por fundar Kickstart Kids para ayudar a jóvenes, hasta escribir libros de

 Disponible en Disney+ y entiende que la música no se explica solo con fechas y discos, sino con energía, rabia y contexto. También porque no intenta convertir a los Sex Pistols en héroes ni en mártires, sino en lo que fueron, un grupo de chavales de clase trabajadora que, en medio de un Londres gris y sin oportunidades, terminaron sacudiendo al establishment hasta hacerlo temblar. Hablo, como no podría ser de otra forma de ‘Pistol’.‘Pistol ‘(2022) es una miniserie de seis episodios basada en las memorias de Steve Jones, guitarrista fundador de los Sex Pistols, recogidas en su libro ‘Lonely Boy: Tales from a Sex Pistol’. La serie, creada por Craig Pearce y dirigida por Danny Boyle (sí, el mismo de ‘Trainspotting’), reconstruye el nacimiento, auge y caída de una de las bandas más influyentes del punk británico.La historia arranca en el Londres de mediados de los años setenta. Una ciudad golpeada por la crisis económica, el desempleo juvenil y una sensación generalizada de estancamiento.

 Cuando le llegó la propuesta de hacer el tema para Filadelfia, John Landau, su histórico manager, al principio dudó: otro paso en falso podía dañar aún más el estatus de figura mundial. Pero Bruce recordó que tenía un principio de canción alrededor de la pérdida de un amigo que vagaba como un espectro por la ciudad y decidió ver qué pasaba si se ponía a trabajar con eso. "Jonathan quería un tema de rock. Y pasé unos días tratando de ajustarme a su idea", relató en Born to Run, su autobiografía. "Pero la letra que tenía parecía resistirse a ser adaptada a ese ritmo. Y por eso empecé a probar con el sintetizador y con una base de hip-hop liviano que había programado en la caja de ritmos".Entonces sucedió: "En cuanto ralenticé el ritmo sobre unos acordes menores básicos, la letra encajó perfecto y se manifestó lo que estaba buscando". Nada menos que la canción que marcaría ese otoño/primavera de 1993. Y que le reportaría su sorpresivo primer Oscar como compositor. Aunque Springsteen toda

 “Golden” tiene siete escritores acreditados: EJAE, Mark Sonnenblick, Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seo y Teddy Park. Anteriormente, ninguna canción con más de cuatro escritores había ganado en esta categoría.EJAE, quien también es una de las tres voces cantantes del grupo femenino central de la película HUNTR/X, junto con AUDREY NUNA y REI AMI, habló primero en nombre del grupo de compositores el domingo por la noche, enfatizando el mensaje de la canción sobre la “resiliencia”.“Muchas gracias a la Academia por este premio increíble”, comenzó EJAE. “Cuando era pequeña, la gente se burlaba de mí por gustarme el K-pop, pero ahora todos están cantando nuestra canción y todas las letras en coreano. Estoy tan orgullosa. Y me di cuenta de que la canción, este premio, no se trata de éxito; se trata de resiliencia. Y estoy tan agradecida con nuestro equipo, y solo quiero agradecer a mi mamá, mi papá, mi hermano, mi prometido, mi manager, por supuesto, por siempre estar c

 Ludwig Göransson tuvo unas especiales palabras para el director de Los Pecadores (Sinners), con el que ya trabajó con gran éxito en Black Panther. "La música me trajo a Estados Unidos y me llevó a uno de los grandes narradores de nuestro tiempo, Ryan Coogler. Ryan, gracias por tu visión. Gracias por hacer una película que ha resonado en todo el mundo", dijo.Es la primera vez en este siglo que un compositor acumula tres estatuillas, un récord que no se veía desde hace casi dos décadas y que destaca, además, por la juventud del laureado: Ludwig Göransson tiene 41 años. Los únicos otros ganadores de tres premios Oscar a mejor banda sonora que siguen vivos hoy en día son John Williams, de 94 años, quien ha ganado cinco Oscars de banda sonora, y Alan Menken, de 76 años, quien ha ganado cuatro. El último, hace 30 años por Pocahontas.Aquí están los cinco récords que Göransson estableció:Primer compositor en casi dos décadas en ganar dos Oscars a la mejor música original en el lapso de tres a

 Ludwig Göransson ganó el Oscar a la mejor música original por Sinners el domingo (15 de marzo). El compositor sueco es el primer ganador de tres premios a la mejor banda sonora original en el siglo XXI. Anteriormente ganó por Black Panther en 2019 y Oppenheimer en 2024.En su discurso de aceptación, el compositor reflexionó sobre cómo comenzó su camino hacia una carrera en la música. “Mi padre compró su primer álbum de blues en Suecia en 1964. Era un álbum de John Lee Hooker… La música era tan poderosa que cambió la vida de mi padre y él dedicó su vida a la música”, compartió. “Cuando yo tenía 7 años, puso una guitarra en mis manos… fue la guitarra la que me abrió muchas puertas… Me trajo a Estados Unidos y me llevó a uno de los grandes narradores de nuestro tiempo, Ryan Coogler. Ryan, gracias por tu visión. Gracias por hacer una película que resonó en todo el mundo”.Coogler dirigió tanto Black Panther como Sinners. Göransson es el primer compositor en ganar dos Oscars a la mejor músic

 ¡A la mecha, me sentí súper viejo! Recordar a Esteman es volver a esa época donde vivíamos pegados al Facebook y no pasaba un solo día sin que alguien armara un pancho o un drama digital. Era nuestra mera existencia. El cyber-drama era el pan de cada día. Mucho antes de que los bailes de TikTok dominaran el mundo y de que Instagram fuera el escaparate de nuestras vidas perfectas, existió un joven colombiano con un bigote impecable, una estética vintage y una advertencia musical que se clavó en el cerebro de todo el internet hispanohablante: Esteman.El drama que todos vivimosCorría el año 2009. Facebook era el salvaje oeste. No había historias que desaparecían en 24 horas; todo quedaba ahí, plasmado en el muro para la posteridad. En ese contexto, "No te metas a mi Facebook" llegó como un bálsamo de humor frente a la paranoia de la privacidad.¿Quién no se sintió identificado con la letra?El acoso virtual: Esa persona que revisa tus fotos de 2007. Las etiquetas indeseadas: Fotos en las q

 ¡Prepárate para mover las caderas (y las orejas)! Si pensabas que el mayor hito de Gazelle era lograr que un buey de 200 kilos bailara en mallas de tigre, agárrate, porque la reina más brillante de las sabanas está de vuelta en 2026.En 2016 Disney presentó a Gazelle. No era solo una estrella de pop del concierto; era la voz de la razón en una ciudad a punto de colapsar por el pánico animal.Shakira pidió específicamente que el personaje tuviera más curvas. Nada de gacelas flacuchas de pasarela; ella quería que Gazelle tuviera cadera, porque, como bien sabemos, las caderas no mienten (ni siquiera en el reino animal).Shakira aporta esa calidez y esa voz única que encaja de maravilla con el mensaje de optimismo y resiliencia de la película. Además, verla inmortalizada como una estrella pop animada es, simplemente, un regalo.Y si "Try Everything" puso a cantar a todos en Zootopia 1, "Zoo" enloqueció al mundo en Zootopia 2, tiene ese toque de "sabor latino" que Shakira siempre defiende. De

 Tras más de una década de carrera, el dúo de Nashville formado por David y Licia Radford ha regresado en 2025 con su quinto álbum de estudio de larga duración. En esta etapa, la banda se ha consolidado como un referente de la música independiente con trasfondo espiritual, superando los 150 millones de reproducciones y llenando teatros en más de 70 ciudades. Este nuevo ciclo, que comenzó a gestarse con singles previos en 2024, muestra a unos artistas más maduros, que han sabido mantener su esencia narrativa mientras exploran nuevas profundidades emocionales tras un periodo de silencio creativo.En este lanzamiento de 2025, el estilo de la banda ha evolucionado hacia un sonido que los críticos han definido como "weary whimsy" (una fantasía melancólica o cansada). Si bien mantienen su base de pop narrativo y folk cinematográfico, en este disco se percibe una instrumentación más rica y orgánica, con un uso magistral de las texturas sonoras. La voz de David Radford sigue siendo el eje centr

 Universal Pictures ha puesto en marcha un ambicioso proyecto cinematográfico centrado en los inicios de la banda de rock Bon Jovi, sumándose así a la creciente tendencia de biopics musicales en Hollywood. El estudio ha adquirido los derechos tras una competencia con otras productoras, lo que demuestra el gran interés que genera la historia del grupo liderado por Jon Bon Jovi, uno de los nombres más reconocidos del rock internacional.La película se centrará especialmente en los primeros años de la banda en Nueva Jersey durante la década de 1980, mostrando cómo pasaron de tocar en pequeños clubes locales a convertirse en un fenómeno global capaz de llenar estadios. Este enfoque narrativo buscará reconstruir el camino hacia el éxito, incluyendo el impacto de sus grandes himnos y el momento en que alcanzaron la fama mundial.En cuanto a la producción, el proyecto aún se encuentra en una fase inicial: no hay director ni reparto confirmados, pero sí se ha anunciado que el guion estará a carg

 George Martin a diez años de su muerte, fue una pieza clave —aunque discreta— en la transformación de The Beatles en el grupo más influyente del siglo XX. Formado en música clásica, Martin aportó una mirada distinta al pop de los años sesenta y se convirtió en el interlocutor ideal para canalizar el talento del cuarteto de Liverpool, ayudando a redefinir los límites de la música popular.Su papel fue mucho más allá del de un productor técnico: actuó como arreglista, músico, consejero y mediador creativo. Gracias a su formación académica, introdujo elementos como cuartetos de cuerda, orquestaciones complejas y estructuras innovadoras que enriquecieron el sonido del grupo. Esta combinación de disciplina musical y apertura experimental permitió a la banda evolucionar desde un estilo simple de rock hacia composiciones más sofisticadas.Además, Martin fue fundamental en el desarrollo de nuevas técnicas de grabación. Experimentó con cintas, efectos sonoros, cambios de velocidad y estructuras

 Megan encabezó la lista Billboard 200 de álbumes de todos los géneros con su tercer álbum, Cloud 9. El disco debutó en el número 1 tras vender más de 147.000 unidades, lo que, según Luminate, marca la semana más importante para un álbum country de una mujer en casi dos años.Moroney es ahora solo la quinta artista femenina de country en encabezar la lista de álbumes de todos los géneros en la última década, uniéndose a Taylor Swift, Carrie Underwood, Shania Twain y Beyoncé. Estándares bastante altos.Mientras tanto, Langley ha vuelto a la cima del Billboard Hot 100 con "Choosin' Texas", su primer número 1 en el Hot 100 de todos los géneros.Después de encabezar las listas hace dos semanas, la semana pasada fue derribada cuando Swift lanzó una versión física de "Opalite" — cualquier cosa por otro número uno, oye Taylor. Ese reinado duró solo una semana, ya que Langley regresó a la cima con su éxito absolutamente rotundo, marcando su primer número uno en varias semanas.Esto es significativ

 El álbum Live with the Auckland Philharmonia (Live) de Brooke Fraser es una celebración especial de su carrera musical, reinterpretada con el acompañamiento de una orquesta sinfónica completa. Grabado en directo junto a la Auckland Philharmonia Orchestra, el proyecto ofrece una nueva dimensión a varias de las canciones más queridas de la artista neozelandesa. La combinación de pop, folk y arreglos orquestales aporta una atmósfera emotiva y elegante que transforma cada tema en una experiencia sonora más amplia y cinematográfica.Uno de los mayores atractivos del álbum es cómo los arreglos sinfónicos realzan la sensibilidad compositiva de Fraser. Las cuerdas, los metales y las dinámicas propias de una orquesta aportan profundidad a canciones que muchos fans ya conocen bien. Temas icónicos adquieren una nueva intensidad emocional cuando se interpretan en este formato, mostrando la versatilidad de las composiciones y la capacidad de la cantante para adaptarse a un entorno musical más clási

 Garrett Kato es un cantante, compositor y productor nacido en Canadá y radicado en Byron Bay, Australia, conocido por su estilo emotivo dentro del folk-pop contemporáneo. Con una carrera que empezó con canciones como Take It Slowly y That Low and Lonesome Sound, ha ido consolidando una base de seguidores fieles gracias a sus letras introspectivas y a una voz cálida que conecta de inmediato con el oyente. A lo largo de los años ha acumulado más de 200 millones de reproducciones en plataformas digitales, y su reputación también se ha reforzado por su trabajo de producción con otros artistas relevantes de la escena indie australiana.El estilo de Kato se caracteriza por una mezcla de melodías suaves, arreglos orgánicos y una sensibilidad lírica que explora temas como el amor, la vulnerabilidad y la búsqueda de sentido. Su enfoque combina elementos del folk tradicional con toques de pop moderno, creando un sonido íntimo y atmosférico que pone en primer plano las emociones humanas. Esta inc

¡Hola, comunidad Deezer en español! 🇵🇪✨ El Top Perú 2026 está en pleno auge este marzo, dominado por hits urbanos y latinos como "mi refe" de Beele (BPM ~105, transiciones suaves), "Luna llena" de Jere Klein ft. Ovy on the Drums (reggaetón a 95 BPM) y fusiones emergentes que arrasan en playlists virales. Perfectos para Deezer Flow, mixes infinitos o sesiones de descubrimiento.deezer+2¡Desafío abierto para todos: Comparte tus TOP 5 del Top Perú o charts locales! Incluye en tu respuesta: Canción y artista (con link directo de Deezer para agregar fácil). Razones detalladas: ¿BPM ideal para DJing? ¿Mood (fiesta, relax, workout)? ¿Clave musical para mezclas armónicas (ej: de 8A a 9A)? Género o estilo: ¿Reggaetón puro, fusiones indie-rap, urbanos peruanos o vibes underground? Inspiración de hits actuales (copia y adapta): "mi refe" - Beele (BPM 105, clave 8B): Vibe bailable y melancólica. "Luna llena" - Jere Klein ft. Ovy (BPM 95): Flow adictivo para Flow. Track urbano emergente (e

 Soft Cell fue un dúo británico de synthpop formado a finales de los años setenta por Marc Almond y Dave Ball. Surgidos de la escena artística y underground de Leeds, su propuesta mezclaba electrónica minimalista, estética provocadora y letras oscuras que hablaban de relaciones, excesos y vida nocturna. En una época dominada por el auge de los sintetizadores, Soft Cell se convirtió en una de las propuestas más llamativas del nuevo pop electrónico británico.Su mayor éxito llegó en 1981 con “Tainted Love”, una versión de la canción soul grabada originalmente por Gloria Jones en 1964. La reinterpretación de Soft Cell transformó el tema en un himno synthpop con ritmo hipnótico y una atmósfera melancólica. La canción alcanzó el número uno en varios países y se convirtió en uno de los sencillos más representativos del pop electrónico de los años ochenta.El enorme éxito de “Tainted Love” impulsó la carrera internacional del grupo, pero también los encasilló como un one-hit wonder para gran pa

 A lo largo de la historia del rock y el pop, algunos discos han llegado precedidos de una expectación enorme, ya fuera por el prestigio previo del artista, largos periodos de silencio o campañas promocionales desmesuradas. Sin embargo, no todos lograron cumplir con esas promesas. En muchos casos, la reacción del público y la crítica fue de desconcierto, decepción o incluso rechazo frontal, convirtiendo estos trabajos en ejemplos clásicos de expectativas frustradas.Uno de los casos más emblemáticos es Chinese Democracy de Guns N’ Roses. Tras más de una década de retrasos, cambios de formación y rumores constantes, el álbum vio la luz en 2008. Aunque no fue un fracaso comercial inmediato, muchos fans lo consideraron excesivamente sobreproducido y carente del espíritu salvaje que había definido a la banda en los años ochenta, mientras que la crítica lo recibió con opiniones muy divididas.Otro ejemplo claro es Be Here Now de Oasis. Publicado tras el éxito masivo de (What’s the Story) Morn